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Denis Bioteau lance son projet d'album diX SoNANCES

Chrys — 2026-04-15T15:11:57Z

Le compositeur Denis Bioteau dévoile diX SoNANCES, un nouvel album ambitieux pour big band. Porté par une campagne de financement participatif, ce projet rassemble musiciens et public. Une création moderne entre jazz, fusion et musiques actuelles.

Le compositeur et orchestrateur Denis Bioteau s'apprête à franchir une nouvelle étape dans son parcours artistique avec diX SoNANCES, un second album écrit pour son it-big BAND. Pour concrétiser ce projet d'envergure, il fait aujourd'hui appel au public à travers une campagne de financement participatif.

Un projet collectif qui a besoin de soutien

Enregistré avec une formation de seize musiciens, enrichie par des invités, diX SoNANCES dépasse le cadre d'un simple album. Il s'agit d'une production ambitieuse, nécessitant des moyens importants : enregistrement, mixage, mastering, mais aussi logistique liée à un ensemble orchestral conséquent.

En sollicitant directement le public, Denis Bioteau invite les auditeurs à devenir acteurs du projet, à soutenir concrètement la création et à participer à l'émergence de cette nouvelle œuvre.

Dix compositions, dix univers à soutenir

Comme son nom l'indique, diX SoNANCES se compose de dix titres aux identités marquées. Chaque pièce explore une ambiance différente, mêlant influences jazz, fusion, rock et pop.

Ce travail de composition et d'orchestration, particulièrement exigeant, repose sur une recherche approfondie des textures et des timbres. L'implication du public à travers le crowdfunding devient ainsi un levier essentiel pour permettre à cette richesse musicale de prendre pleinement forme.

Une dynamique participative au cœur de la création

En lançant cette campagne, Denis Bioteau affirme une vision de la musique profondément ancrée dans le partage. Le financement participatif devient ici un prolongement naturel de sa démarche artistique : fédérer, rassembler, et créer du lien autour de la musique.

Soutenir diX SoNANCES, c'est donc bien plus que précommander un album. C'est accompagner un projet de création ambitieux, porté par une équipe de musiciens engagés, et contribuer à faire exister une œuvre qui ne demande qu'à résonner.

Liens utiles

Campagne de financement participatif :
https://fr.ulule.com/denisbioteau-dix-sonances/

Facebook :
https://www.facebook.com/denisbofficiel

Instagram :
https://www.instagram.com/denisbioteau

YouTube :
https://www.youtube.com/results?search_query=denis+bioteau

Site officiel :
https://www.denisbioteau.com

Sébastien Charlier maître de l'harmonica

Chrys — 2025-12-10T12:20:00Z

Figure incontournable de l'harmonica diatonique, Sébastien Charlier a redéfini les possibilités de l'instrument grâce à une maîtrise technique unique et un langage musical moderne. Son approche chromatique, sa pédagogie reconnue et son parcours singulier en font une référence majeure pour les musiciens. Ce portrait retrace l'évolution d'un artiste qui a repoussé toutes les limites du diatonique.

Sébastien Charlier ou la trajectoire d'un pionnier de l'harmonica moderne

Il y a des musiciens qui suivent des chemins tracés et d'autres qui bousculent l'ordre établi. Sébastien Charlier appartient clairement à la seconde catégorie. En quelques décennies, il a transformé la perception d'un instrument que beaucoup croyaient limité : l'harmonica diatonique. Son parcours, sa philosophie et son œuvre forment une véritable révolution musicale.

Des débuts modestes, une curiosité immense

Né en 1971 en région parisienne, Sébastien Charlier découvre l'harmonica à l'adolescence. Rien ne laissait présager que ce petit instrument deviendrait le centre de sa vie artistique. Pourtant, très tôt, il développe une relation instinctive avec lui. Alors que la plupart des joueurs apprennent quelques mélodies populaires ou quelques riffs de blues, lui s'interroge déjà : comment aller plus loin ? Comment dépasser les limites apparentes de cet instrument ?

Sa jeunesse est marquée par une ouverture musicale étonnante : il explore différents instruments, s'intéresse à l'harmonie, à la structure de la musique et cherche sans cesse à comprendre ce qui se cache derrière les sons. Cette curiosité, presque scientifique, deviendra la base de tout ce qu'il construira par la suite.

Une vision nouvelle, libérer l'harmonica

L'une des grandes forces de Sébastien Charlier est de n'avoir jamais accepté la vision traditionnelle du diatonique. Pour lui, un instrument n'a de limites que celles que l'on accepte. Très tôt, il explore les altérations avancées, les overblows, les overbends et façonne un jeu totalement inédit.

Là où beaucoup considèrent le diatonique comme limité, Sébastien développe un langage chromatique complet. Grâce à lui, l'harmonica n'est plus un simple accompagnateur de blues, il devient un véritable instrument soliste, expressif, audacieux et capable de parcourir tous les styles.

Cette évolution n'est pas seulement technique. Elle est artistique. Sébastien travaille son phrasé comme un saxophoniste, l'élégance d'un violoniste et l'énergie d'un guitariste de fusion. Il donne à l'harmonica une voix nouvelle : moderne, fluide, singulière.

Les premiers projets, la scène comme laboratoire

Dans les années 1990, Sébastien multiplie les collaborations, enseigne et joue sur scène. Il forme un duo marquant avec le guitariste Nicolas Espinasse, où il peut expérimenter librement. Leurs premiers albums montrent déjà une volonté forte d'explorer des terrains inattendus : jazz acoustique, improvisation, fusion…

Très vite, Sébastien se distingue comme l'un des rares harmonicistes capables de naviguer dans des environnements harmoniques complexes. Sa technique impressionne, mais ce qui marque le plus, c'est sa musicalité (rien n'est gratuit, tout est au service de la ligne mélodique).

Un tournant majeur - l'émergence du “Sébastien Charlier moderne”

Le milieu des années 2000 marque une étape clé. Avec des projets ambitieux et des collaborations prestigieuses, le jeu de Sébastien Charlier prend une dimension nouvelle. Le diatonique devient, entre ses mains, un instrument totalement chromatique. La critique spécialisée salue sa capacité à rendre l'impossible naturel.

Ses albums révèlent ce virage, écriture soignée, improvisations ciselées, goût du risque, élégance rythmique. Sébastien crée un son identifiable dès les premières mesures.

Une pédagogie révolutionnaire

Parallèlement à sa carrière d'interprète, Sébastien Charlier construit une œuvre pédagogique considérable. Il publie des méthodes, des cahiers de l'Harmonica, des guides techniques devenus aujourd'hui des références incontournables.

Son approche repose sur trois piliers :

la technique expliquée avec précision et progressivité
l'harmonie toujours au cœur du propos
la musicalité comme objectif ultime

Ses ouvrages ont profondément transformé la manière dont l'harmonica est enseigné. Pour toute une génération, ils ont été un déclic. Grâce à Sébastien Charlier , le diatonique quitte le statut d'instrument instinctif pour devenir un instrument pleinement maîtrisable.

Une discographie éclectique et raffinée

Au fil du temps, Sébastien Charlier publie des projets variés : albums intimistes, jazz moderne virtuose, fusion électrique, collaborations multiples. Chaque disque porte une identité forte, un son reconnaissable, un respect profond pour la musique, une volonté permanente d'explorer.

Un héritage déjà tangible

Transformer durablement la perception d'un instrument est rare. Pourtant, c'est ce que Sébastien Charlier a accompli. Aujourd'hui, de nombreux harmonicistes (en France comme ailleurs) se réclament de son influence : langage chromatique, goût du jazz contemporain, exigence technique, curiosité artistique.

Sa contribution pédagogique constitue également un héritage déterminant. Il a offert des outils concrets pour progresser, comprendre, et surtout ouvrir de nouvelles portes musicales.

le profil d'un bâtisseur

La carrière de Sébastien Charlier est celle d'un artiste qui refuse les cadres. Un musicien prêt à redéfinir un instrument et à imaginer un avenir que personne n'avait envisagé. Virtuose, chercheur, compositeur, pédagogue, il a façonné un style à la fois moderne, élégant et visionnaire, tout en inspirant une nouvelle génération d'harmonicistes plus libres, plus ambitieux et plus inventifs.

Paolo Coccina bassiste journaliste au service du groove

Chrys — 2025-11-18T23:12:00Z

Figure discrète mais essentielle de la scène française, Paolo incarne l'alliance rare entre maîtrise de la basse et art du récit musical. Musicien confirmé et journaliste reconnu, il fait vivre le groove aussi bien sur scène que dans la presse spécialisée. À travers son jeu précis et son travail de transmission, il contribue à éclairer l'univers de la basse sous toutes ses formes.

Paolo, le groove au service des mots et de la basse

La scène française regorge d'artistes qui, loin des feux médiatiques, avancent avec constance et passion, guidés uniquement par l'amour de la musique. Paolo fait partie de cette famille-là : un bassiste chevronné, amoureux du rock, et un passeur de savoir à travers la presse musicale. À la fois musicien et journaliste, il incarne une génération d'artisans qui ont fait de la basse un univers à part entière.

Des débuts ancrés dans le rock

Dès ses premières armes, Paolo se plonge dans le grand bain du rock'n'roll. La basse devient très tôt son moyen d'expression privilégié. Au fil des années, il explore de nombreux styles sans jamais renier cette colonne vertébrale rock qui structure son jeu.
Interrogé à propos de son parcours, il confiait : “Cinquante ans de musique à la guitare et à la basse, dans beaucoup de styles et de genres différents, avec quand même le rock en toile de fond.” Tout est dit : la curiosité du musicien et la fidélité à ses racines.

Sur scène, on a pu l'entendre entre autres avec :

Alain Manaranche
le guitariste texan Van WILKS (tournée 2001)
le légendaire batteur Bobbie Clarke
Chris Evans
Nancy Holloway
Danny Boy
Candye Kane
Popa Chubby
Randy Rare
Linda Keel
Mauro Serri et J. Claude Rapin au sein du Serri-Rapin Band (album Blues Oriented)
la star iranienne Dariush avec qui il a tourné dans le monde entier.

Une intense collaboration avec le guitariste Daniel Rallo s'est concrétisée par divers projets musicaux et par la sortie de l'album Chords 2 Chords en 2001 ainsi que par plusieurs concerts avec Francis Lalanne en formation trio acoustique unplugged.

En 2001, avec le chanteur Daniel Delannoy, Paolo Coccina fonde le groupe Les Socquettes Blanches, considéré comme la meilleure formation hommage aux Chaussettes Noires. Le groupe tourne intensivement, joue à l'Olympia en 2004 LES PIONNIERS DU ROCK – À L'OLYMPIA 2004, et enregistre six albums.

Avec une composition originale, il participe, au sein d'une sélection des meilleurs bassistes de l'hexagone, à l'album BASS INFLUENCES paru en 1997 chez XIII bis Records.

Dans toutes ces situations, Paolo se distingue par un jeu précis et élégant, à la fois discret et efficace, qui privilégie la justesse et le groove à la virtuosité tapageuse.

Un pont entre la scène et la rédaction

Mais Paolo n'est pas qu'un musicien : il est aussi un homme de mots. Cette passion parallèle se concrétise avec la création de Bass Magazine en 1995, puis avec Alain Versini de Bassiste Magazine en 2002, revues de référence pour les amateurs de groove et de belles basses, qui lui permettent de tisser des liens avec l'élite planétaire des bassistes : Marcus Miller, Tony Levin, Stanley Clarke, Mark King, Alain Caron.

Depuis sa création, Bassiste Magazine s'est imposé comme une véritable tribune pour les bassistes, qu'ils soient professionnels ou passionnés. Paolo y a signé des articles, des chroniques et participé activement à la construction de son identité éditoriale.

La vision d'un musicien journaliste

La singularité de Paolo tient dans cette double appartenance. Musicien, il parle la langue de ceux qu'il rencontre. Journaliste, il sait la traduire. Cette combinaison rare rend ses textes vivants, précis et sensibles, empreints d'une justesse que seul un praticien peut offrir.
Paolo n'aime pas les superlatifs, mais son parcours parle pour lui. Sur scène comme à la rédaction d'un article, il cultive la même exigence et la même humilité. Il rappelle qu'un bon musicien n'est pas seulement un technicien, mais un conteur d'émotions. Son approche illustre ce que le groove a de plus noble : la rigueur, le partage et la sincérité.

Regard vers l'avenir

Aujourd'hui encore, Paolo poursuit cette double aventure. La scène reste un terrain d'expression, mais la transmission et la pédagogie occupent une place croissante dans son travail. Dans un monde musical bouleversé par le numérique, sa vision — ancrée dans l'expérience, ouverte sur l'avenir — prend une valeur rare. C'est la ligne directrice de sa chaîne YouTube LA BASSE PAR L'EXEMPLE.

En analysant des tubes planétaires intemporels, il montre comment on peut créer des lignes de basses simples, efficaces et imparables, et cela dans tous les styles musicaux. Sur cette même chaîne, il partage les magnifiques expériences vécues auprès des nombreux bassistes illustres qu'il a eu le privilège de côtoyer.

Entre les cordes de sa basse et les lignes d'un article, Paolo fait battre le même cœur : celui du rythme, du groove et d'une passion inaltérable pour la musique vivante.

Ida Nielsen bassiste funk et icône moderne

Chrys — 2025-09-16T17:39:02Z

Ida Nielsen est une bassiste danoise reconnue pour son style funk percussif et ses lignes de basse inventives. De ses débuts au Rhythmic Music Conservatory à sa collaboration avec Prince, elle impose un groove puissant et une présence scénique incomparable. Sa carrière solo et ses instruments iconiques font d'elle une véritable référence de la basse moderne.

Ida Nielsen : la reine du groove au service du funk

Ida Kristine Nielsen, née le 23 mai 1975 à Copenhague, n'est pas seulement une bassiste. Elle est une conteuse de groove, une musicienne capable de transformer chaque ligne de basse en une histoire rythmique. Si aujourd'hui son nom est indissociable du funk moderne, c'est parce qu'elle a su imposer son style avec une énergie scénique contagieuse et une virtuosité qui séduit autant les amateurs de technique que les simples amoureux de musique. Dès l'adolescence, elle tombe amoureuse de la basse, fascinée par cet instrument discret mais essentiel. Rapidement, elle comprend que c'est là que bat le cœur de la musique. À force de travail, de passion et d'explorations sonores, elle transforme cet instrument en une véritable voix personnelle. Ses années d'étude au Rhythmic Music Conservatory de Copenhague ne font que renforcer sa maîtrise : elle y absorbe les bases théoriques et techniques, mais surtout, elle forge une identité musicale qui mélange rigueur et liberté.

Prince et l'aventure de toute une vie

C'est en 2008 que son destin bascule. Prince, toujours à l'affût de nouveaux talents, remarque cette bassiste danoise qui allie groove féroce et présence magnétique. Il l'invite à rejoindre la légendaire New Power Generation. Pour Ida, c'est un rêve qui devient réalité. Du jour au lendemain, elle se retrouve sur les plus grandes scènes du monde, aux côtés d'un génie qui place la basse au cœur de sa musique. Prince lui offre une liberté rare : “”Sois toi-même, et fais groover la salle””, lui aurait-il glissé en coulisses avant un concert.

Ida devient rapidement plus qu'une musicienne d'accompagnement : elle est une véritable pièce maîtresse du groupe. Ses lignes de basse, tantôt puissantes et percussives, tantôt subtiles et mélodiques, s'accordent parfaitement avec l'univers funk-pop de Prince. Les tournées Welcome 2 America et 21 Nights in London resteront des moments inoubliables, où le public découvre une bassiste capable de faire danser des stades entiers tout en conservant une précision chirurgicale. Sur scène, elle incarne une énergie communicative, toujours souriante, toujours connectée au public. Pour de nombreux fans, Ida n'était pas seulement la bassiste de Prince : elle était l'âme rythmique de ses concerts.

La voix d'une artiste complète

Après la disparition de Prince en 2016, Ida Nielsen choisit de continuer à faire vivre cette énergie, mais à travers sa propre musique. Elle se lance pleinement dans sa carrière solo, avec des albums comme Turn It Up, Time et Butterfly. Dans ces projets, on retrouve tout ce qui fait son identité : des grooves irrésistibles, des influences funk assumées, des touches de R&B, d'électronique, et surtout, une voix qui surprend ceux qui ne la connaissaient que comme bassiste. Oui, Ida chante, et sa voix douce et profonde apporte une nouvelle dimension à ses compositions.

Son travail en solo démontre à quel point elle est une musicienne complète. Elle ne se contente pas d'écrire des lignes de basse spectaculaires : elle compose, arrange, produit et interprète. Ses morceaux sont pensés comme des univers musicaux, où chaque détail compte. C'est ce mélange entre exigence technique et spontanéité joyeuse qui séduit son public. Ses concerts solo, intimes ou explosifs selon les contextes, sont une véritable célébration du funk.

Le son d'Ida : ses basses et ses armes secrètes

Impossible de parler d'Ida Nielsen sans évoquer ses instruments. Elle est particulièrement associée aux basses Sandberg, marque allemande réputée pour la qualité et la polyvalence de ses modèles. Son instrument fétiche est une Sandberg California, souvent équipée de micros configurés pour lui offrir à la fois la rondeur chaude du vintage et la précision tranchante du moderne.

Ida aime les basses capables de s'adapter à toutes les situations : un slap puissant et claquant pour le funk, des lignes rondes et profondes pour soutenir les balades, et une réactivité parfaite pour les passages improvisés. Elle alterne entre modèles 4 cordes et 5 cordes selon les besoins, mais reste fidèle à l'équilibre et à la jouabilité que lui offrent ses Sandberg. En concert, on l'a souvent vue jongler avec plusieurs basses, chacune choisie en fonction du morceau, comme une palette de couleurs entre ses mains.

Côté son, Ida utilise des pédales d'effets pour enrichir ses textures : un peu d'overdrive pour ajouter du grain, des filtres pour accentuer le côté funky, et parfois un octaver pour élargir la profondeur de son jeu.
Malgré les outils technologiques, son son reste organique, vivant et naturel. La basse n'est jamais noyée sous les effets : elle respire, elle parle, elle groove.

Une ambassadrice du groove

Ida Nielsen n'est pas seulement une artiste de scène. Elle est aussi une pédagogue passionnée. On la retrouve régulièrement en masterclass à travers le monde, expliquant avec humour et simplicité ses techniques de slap, ses secrets de groove et sa manière d'improviser. Elle n'hésite pas à rappeler que : “”Le groove, ce n'est pas une affaire de vitesse, mais de placement et d'intention.”” Son authenticité inspire une nouvelle génération de bassistes, en particulier des jeunes femmes qui voient en elle un modèle accessible et inspirant. Elle prouve qu'on peut être virtuose tout en restant profondément humaine et proche de son public.

Des collaborations variées et une signature unique

Au-delà de Prince, Ida a collaboré avec des artistes aussi différents que Maceo Parker, Bruno Mars ou Corinne Bailey Rae. Chaque rencontre nourrit son jeu, enrichit son vocabulaire musical et confirme sa réputation d'artiste polyvalente. Mais quel que soit le projet, on reconnaît toujours sa signature : une basse vivante, qui respire, qui dialogue avec les autres instruments, et qui porte la musique vers l'avant. Son jeu n'est jamais démonstratif pour le simple plaisir de briller : il est au service du morceau, de l'émotion et du public.

Sur scène comme en studio, elle reste fidèle à cette philosophie.
Avec sa précision rythmique, sa musicalité et sa joie communicative, Ida Nielsen transforme chaque performance en célébration collective.
Son énergie contagieuse fait danser, mais aussi écouter. Parce que derrière le groove, il y a toujours une intention, une histoire qu'elle raconte avec son instrument.

Ida Nielsen aujourd'hui : une icône moderne

Aujourd'hui, Ida Nielsen est une véritable icône du funk moderne. Elle a su traverser les époques, des clubs danois à l'immense scène de Prince, pour finalement s'imposer comme une artiste complète et indépendante. Son parcours illustre la puissance de la basse quand elle est confiée à quelqu'un qui sait la transformer en instrument de liberté et d'expression. Avec chaque note, elle rappelle que le funk est avant tout une affaire de cœur, de sueur et de joie partagée.

Qu'elle soit sur scène devant des milliers de personnes, en studio à construire de nouveaux morceaux ou en atelier face à de jeunes musiciens avides d'apprendre, Ida Nielsen incarne une certitude : le groove ne meurt jamais, tant qu'il y a des artistes comme elle pour le faire vivre.

Jean Pierre Como un voyage musical entre jazz et Méditerranée

Chrys — 2025-09-09T16:54:14Z

Pianiste et compositeur français, Jean Pierre Como a bâti une carrière unique, entre improvisation, mélodie et émotion. De Sixun à ses projets en solo, il explore un jazz ouvert sur le monde, nourri de ses racines méditerranéennes.

Il y a des musiciens qui traversent les décennies sans jamais perdre cette étincelle de curiosité, ce goût du voyage intérieur et collectif. Jean-Pierre Como est de ceux-là. Pianiste, compositeur et improvisateur français, il a bâti une carrière singulière, dense et lumineuse, faite d'explorations et de rencontres.

Les premières notes

Né à Paris dans une famille d'origine italienne où la musique occupe une place essentielle, Como découvre très tôt le piano. Le conservatoire lui offre une solide formation classique, mais l'adolescent s'aventure vite vers l'improvisation. Le jazz devient pour lui un terrain de liberté, un espace où le rythme dialogue avec la mélodie et où l'émotion guide la technique.

Dès le début des années 1980, il enregistre ses premières compositions et accompagne diverses formations, des percussions afro à la chanson française, prouvant déjà son goût pour la diversité.

Sixun : l'aventure fondatrice

En 1984, il fonde avec Paco Sery le groupe Sixun, qui marquera toute une génération d'auditeurs et de musiciens. Jazz-rock, fusion, pulsations africaines : la formation bouscule les codes et conquiert la scène européenne. Les compositions de Como, à la fois lyriques et puissantes, structurent cette aventure. Quatre décennies plus tard, l'histoire continue puisque Sixun a reçu en 2023 le Grand Prix du Jazz de la SACEM, une reconnaissance rare pour un collectif français.

Une trajectoire personnelle

En parallèle, Como suit sa propre route. Son premier album Padre (1989) marque déjà sa volonté de raconter une histoire intime à travers le jazz. Chaque projet qui suivra se lira comme un chapitre d'un grand récit musical :

Solea (1991) et Express Paris-Roma (1995) affirment son lien avec la Méditerranée et l'Italie.
Empreinte (1999) et Storia (2001) révèlent une écriture narrative, presque cinématographique.
L'Âme sœur (2006), suite pour orchestre, porte l'empreinte d'un hommage bouleversant à sa sœur disparue.
Avec Boléro (2013) ou Express Europa (2015), il multiplie les rencontres avec des voix et des musiciens venus d'horizons différents, des chanteurs Walter Ricci et Hugh Coltman au saxophoniste Stefano Di Battista.

À travers ces albums, une constante se dégage : la recherche de la mélodie juste, de l'émotion qui touche directement le cœur. Comme il le dit lui-même, “le piano chante”. Et ce chant s'incarne aussi bien dans un trio acoustique que dans un grand ensemble.

Ses projets récents en sont la preuve. Infinite (2018) et Infinite Volume II (2024) en quartet explorent des formes ouvertes, presque cosmiques, saluées par la critique (CHOC de Jazz Magazine). My Little Italy (2020) revient quant à lui à une veine intime, presque autobiographique, tandis que Com ô Paradis (2023), son premier album solo, offre un voyage intérieur lumineux.

Une reconnaissance méritée

En 2018, Steinway le reconnaît comme Artiste Steinway, rejoignant le cercle restreint des pianistes soutenus par la prestigieuse maison. Mais plus encore que les titres ou prix, ce qui frappe chez Jean-Pierre Como, c'est cette fidélité à une vision : partager la musique comme une expérience humaine, sensible, toujours tournée vers l'autre.

Une musique ouverte, intemporelle

Écouter Jean-Pierre Como, c'est traverser des paysages. On y retrouve des échos de ses racines méditerranéennes, la rigueur du classique, l'énergie du jazz-rock, la chaleur du latin jazz. Mais au-delà des styles, il y a cette capacité rare à créer une atmosphère, à faire résonner le silence entre les notes, à donner au piano une voix presque humaine.

Aujourd'hui il continue de surprendre et d'inventer, en solo ou en quartet, sur scène ou en studio. Son parcours n'est pas seulement celui d'un pianiste de jazz, mais d'un conteur d'histoires sonores, toujours en quête de nouveaux horizons.

Sixun 40 ans de jazz fusion et de liberté

Chrys — 2025-09-04T09:04:14Z

Depuis plus de quatre décennies, le groupe Sixun incarne le meilleur du jazz fusion à la française. Avec ses grooves puissants, ses rythmes métissés et son énergie scénique unique, ce sextet est devenu une référence incontournable. De leurs débuts parisiens aux grandes scènes internationales, leur aventure continue de vibrer en 2025.

Sixun : 40 ans de groove, d'énergie et de liberté

Quand on parle de jazz fusion en France, un nom revient toujours : Sixun. Depuis 1984, ce sextet pas comme les autres a imposé son style, mélange de jazz, de funk, de rythmes africains, caribéens et méditerranéens. Quarante ans plus tard, en 2025, le groupe est toujours là, fidèle à son esprit d'origine : six musiciens, une seule âme.

Les débuts : six et un

En 1984, dans le Paris bouillonnant de musiques et de rencontres, six jeunes musiciens se croisent et décident de tenter l'aventure ensemble : Jean-Pierre Como (claviers), Alain Débiossat (saxophones), Louis Winsberg (guitare), Michel Alibo (basse), Paco Séry (batterie) et Abdou Mboup (percussions). Leur idée ? Créer une musique vivante, métissée, où chaque instrument a sa place mais où l'ensemble prime sur l'individu. D'où leur nom : Sixun (six + un).

Dès leurs premiers concerts, on comprend que quelque chose de spécial est en train de naître. Le groove est irrésistible, l'énergie scénique explosive. Sixun devient rapidement une référence dans le milieu du jazz français.

Les années 80 : premiers albums, premiers classiques

En 1985 sort Nuit Blanche, un premier disque encore un peu brut, mais déjà très prometteur. Deux ans plus tard, Pygmées confirme le potentiel du groupe. Mais c'est avec Explore (1988) que Sixun s'impose vraiment : des morceaux comme Petit Chartier deviennent cultes. Cet album est souvent considéré comme la “carte d'identité” du groupe, avec son mélange audacieux de jazz électrique, de funk et de rythmes africains.

En 1989, un premier Live vient prouver ce que tout le monde disait : Sixun est avant tout un groupe de scène.

Les années 90 : l'âge d'or

La décennie 90 est sans doute la plus féconde pour Sixun.

L'Eau de Là (1990) marque un hommage appuyé à Joe Zawinul (Weather Report) et voit apparaître des collaborations vocales (Lokua Kanza, Sally Nyolo).
Nomad's Land (1993) ouvre encore davantage les horizons, flirtant avec les grooves malgaches et rendant hommage à James Brown avec James Machine.
Lunatic Taxi (1995) est un projet ambitieux : enregistré à New York, il rassemble Andy Narell, Michael Brecker ou encore Julien Lourau. Le groupe se frotte à la scène internationale et gagne en maturité.

À cette époque, Sixun est partout : festivals, tournées, collaborations… On dit même que le groupe était capable de “retourner” une salle en quelques minutes, grâce à l'énergie volcanique de Paco Séry à la batterie et la complicité entre les six musiciens.

En 1998, Nouvelle Vague surprend par son orientation plus électronique et contemporaine. Mais après cet album, le groupe s'essouffle et finit par se mettre en pause.

Les années 2000 : le grand retour

On aurait pu croire que l'histoire s'arrêtait là. Mais pour ses 20 ans, Sixun revient en 2006 avec un concert événement à la Cigale. Résultat : Live à La Cigale, qui décroche un Django d'Or. Le feu est toujours là.

Deux ans plus tard, Palabre (2008) mélange jazz et spoken word, avec notamment la participation du rappeur Oxmo Puccino. Une rencontre improbable, mais réussie. En 2009, le groupe sort Live in Marciac, captant leur passage enflammé au célèbre festival de jazz.

Unixsity : une nouvelle ère

Après une longue pause discographique, Sixun revient en 2022 avec Unixsity. Cet album, très attendu, est accueilli comme une renaissance. On y retrouve tout ce qui fait l'identité du groupe : groove incandescent, improvisations folles, richesse harmonique… mais aussi une maturité nouvelle.

En parallèle, toute leur discographie est rééditée en numérique, permettant à une nouvelle génération de plonger dans l'univers du sextet.

En 2023, Sixun reçoit le Grand Prix Jazz de la SACEM, une première pour un groupe. Une reconnaissance officielle de leur place incontournable dans l'histoire du jazz français.

Les membres : six personnalités, une seule voix

Michel Alibo (basse) : groove caribéen, puissance et finesse, le pilier rythmique.
Jean-Pierre Como (claviers) : compositeur lumineux, touche lyrique.
Alain Débiossat (saxophones) : souffle libre, couleur unique, expressivité folle.
Louis Winsberg (guitare) : méditerranéen dans l'âme, il apporte chaleur et modernité.
Paco Séry (batterie) : véritable showman, collaborateur de Nina Simone, Zawinul ou Salif Keita, il est l'âme rythmique du groupe.
Stéphane Edouard (percussions) : arrivé en 2005, il enrichit le son avec ses influences indiennes.

Sixun en 2025 : toujours là, toujours fort

Aujourd'hui, Sixun continue de tourner et d'enflammer les festivals. Plus qu'un simple groupe, ils sont devenus un symbole de liberté musicale, une école de métissage et d'improvisation. Après 40 ans d'existence, ils prouvent qu'on peut rester fidèle à son identité tout en se réinventant.

Sixun, c'est un voyage permanent. Six voix, un seul souffle. Et en 2025, le groove est plus vivant que jamais.

Si vous ne les avez jamais vus sur scène, courez-y : Sixun, ça ne se raconte pas, ça se vit.

Dave LaRue bassiste virtuose du rock progressif

Chrys — 2025-09-03T14:23:30Z

Figure incontournable de la basse moderne, Dave LaRue a marqué le rock progressif et la fusion par sa virtuosité et ses collaborations prestigieuses. Toujours actif entre tournées, projets et enseignement, il reste une référence mondiale pour les bassistes et passionnés de musique.

Quand on parle de bassistes de rock progressif et de jazz fusion, le nom de Dave LaRue s'impose comme une référence incontournable. Né en 1956 dans le New Jersey, ce musicien américain s'est imposé depuis plus de trente ans comme l'un des bassistes les plus respectés de la scène internationale. Avec son jeu puissant, précis et inventif, Dave a marqué l'histoire de la basse moderne tout en restant un pédagogue passionné.

Une carrière riche dans le rock progressif et la fusion

Dave se fait remarquer à la fin des années 80 en rejoignant les Dixie Dregs, formation de fusion menée par Steve Morse. Son arrivée apporte un souffle nouveau et contribue à redéfinir le son du groupe. Peu après, il devient membre permanent du Steve Morse Band, une collaboration qui dure encore aujourd'hui et qui a forgé sa réputation de bassiste fiable et virtuose.

Au fil des ans, Dave multiplie les collaborations prestigieuses : Joe Satriani, John Petrucci (Dream Theater), Jordan Rudess, Mike Portnoy, Steve Vai, Paul Gilbert, Tony MacAlpine… Autant de projets qui confirment son statut de bassiste polyvalent capable de naviguer entre rock progressif, hard rock et jazz fusion.

En 2012, Dave rejoint le supergroupe Flying Colors aux côtés de Steve Morse, Neal Morse, Casey McPherson et Mike Portnoy. Ce projet permet à Dave d'exprimer toute sa créativité dans un répertoire mêlant rock moderne, pop et progressif. Leur dernier album, Third Degree (2019), est salué comme leur plus réussi.

Le son unique de Dave LaRue

Dave est particulièrement associé à la marque Ernie Ball Music Man, avec laquelle il a contribué au développement de la basse Bongo. Son jeu se distingue par une clarté exemplaire, une précision rythmique et un sens du groove qui lui permettent de briller aussi bien dans des solos techniques que dans des lignes de basse profondes et mélodiques. Sur scène, il utilise des amplis Ampeg et un set d'effets incluant TC Electronic et Darkglass, confirmant son goût pour un son moderne et expressif.

Un bassiste pédagogue et passionné

Outre sa carrière de musicien de scène et de studio, Dave est reconnu comme un enseignant de renom. Il a publié le livre On the Record, qui regroupe des transcriptions de ses lignes les plus marquantes, ainsi que le DVD pédagogique Essential Bass Concepts. Professeur associé à l'Université Stetson en Floride, il anime régulièrement des masterclasses internationales et donne des cours privés, en personne ou en ligne. Sa pédagogie repose sur la générosité et la volonté de transmettre les subtilités de son instrument aux nouvelles générations de bassistes.

Dave LaRue aujourd'hui : entre tournées et transmission

À plus de 65 ans, Dave reste incroyablement actif. Il continue de tourner avec le Steve Morse Band et Flying Colors, participe au projet L.A.X. avec Glenn Alexander, et collabore régulièrement avec d'autres musiciens de la scène rock et fusion. En parallèle, il poursuit son rôle de clinicien officiel pour Music Man, tout en développant son activité d'enseignement.

Conclusion

Dave LaRue est bien plus qu'un bassiste de renom. Il est à la fois un virtuose de la basse, un artisan du son et un pédagogue passionné. Sa carrière impressionnante dans le rock progressif, sa créativité dans la fusion et son engagement dans l'enseignement en font une figure majeure de la musique moderne. Aujourd'hui encore, il inspire des milliers de musiciens à travers le monde et reste un modèle de polyvalence, de rigueur et de passion.

Lari Basilio Guitariste Brésilienne Virtuose

Chrys — 2025-09-03T13:46:58Z

Lari Basilio, guitariste brésilienne née à São Paulo, allie virtuosité et émotion dans ses albums. De ses débuts prometteurs à ses instruments signature, elle réinvente la guitare instrumentale et inspire les musiciens du monde entier.

Lari Basilio : La Guitariste Brésilienne Qui Réinvente l'Instrumental

Si vous êtes passionné de guitare ou de musique instrumentale, le nom Lari Basilio ne vous est certainement pas étranger. Née le 23 juin 1988 à São Paulo, Lari a grandi entourée de musique. Dès son plus jeune âge, elle est fascinée par le monde sonore : orgue à quatre ans, puis guitare à huit ans, enseignée par son père. Très vite, elle développe un style unique, à la fois technique et émotionnel, qui marquera sa carrière.

De l'avocate à la guitariste internationale

Lari n'a pas commencé sa vie dans la musique professionnelle. En 2010, elle obtient un diplôme en droit et exerce brièvement comme avocate. Mais la passion était trop forte : elle décide de tout quitter pour se consacrer entièrement à la guitare. Ce choix audacieux va payer : elle devient rapidement une référence mondiale dans le monde de la guitare instrumentale.

Des débuts prometteurs aux collaborations prestigieuses

En 2011, Lari sort son premier EP éponyme, produit par Lampadinha et avec la participation de Felipe Andreoli, bassiste d'Angra. Son deuxième album, The Sound of My Room (2015), va plus loin : un CD/DVD incluant mini-documentaire et coulisses de l'enregistrement, présenté en avant-première dans un cinéma de São Paulo.

Mais c'est avec Far More (2019) que Lari atteint une reconnaissance internationale. Enregistré aux mythiques Capitol Studios à Los Angeles, l'album réunit des légendes comme Vinnie Colaiuta, Nathan East, Greg Phillinganes et même Joe Satriani sur un titre. Critiques et fans s'accordent : Lari est l'une des guitaristes instrumentales les plus talentueuses et expressives de sa génération.

Son album Your Love (2022) et son dernier projet Redemption (2025) témoignent de son évolution personnelle et artistique. Redemption, en particulier, reflète un parcours émotionnel intense, marqué par une fausse couche suivie de la naissance de son premier enfant. La musique devient pour Lari un exutoire et un témoignage de résilience.

Une artiste qui casse les codes

Lari n'est pas seulement une interprète : elle est aussi une innovatrice. Sa collaboration avec Ibanez a donné naissance à la guitare signature LB1‑VL, puis à sa version blanche LB1‑WH. Elle est également la première femme à recevoir un jeu de micros signature HSS par Seymour Duncan. Plus récemment, elle dévoile avec JHS Pedals sa pédale de distorsion signature, The Violet. Ces instruments et accessoires portent sa signature technique et artistique, permettant aux musiciens de reproduire son son unique.

Une carrière marquée par l'excellence et la pédagogie

Lari Basilio a remporté la catégorie instrumentale du Samsung E‑Festival en 2014 et a partagé la scène avec des artistes comme Keb' Mo' et Quinn Sullivan. Elle a également participé à des festivals prestigieux et à des cliniques avec Paul Gilbert et Andy Timmons, et a été invitée par Joe Satriani au G4 Experience, devenant ainsi la première femme à intégrer cet événement.

En parallèle, elle propose des cours en ligne via JamTrack Central, permettant à des étudiants du monde entier de découvrir son approche technique et musicale. Lari ne se contente pas de jouer : elle transmet sa passion.

Pourquoi Lari Basilio est unique

Ce qui distingue Lari, c'est sa capacité à allier virtuosité technique et émotion brute. Chaque note, chaque accord, reflète une sensibilité rare. Son parcours, de São Paulo aux studios légendaires de Los Angeles, montre une artiste qui n'a jamais peur de prendre des risques, que ce soit dans sa vie personnelle ou musicale.

Conclusion

Lari Basilio est bien plus qu'une guitariste virtuose. Elle est une créatrice, une pionnière et une source d'inspiration pour tous ceux qui rêvent de musique instrumentale. Entre ses albums, ses instruments signature et son engagement pédagogique, elle continue de repousser les limites de la guitare. Si vous ne la connaissez pas encore, il est temps de découvrir son univers musical, riche, sensible et innovant.

Dominique Fillon pianiste jazz et créateur musical

Chrys — 2025-09-03T13:30:38Z

Dominique Fillon est un pianiste français autodidacte reconnu pour son jazz contemporain et ses influences brésiliennes. Avec une discographie éclectique et son studio Keyboardsync, il crée des compositions originales où improvisation et émotion se rencontrent. Explorez son univers musical riche et captivant.

Dominique Fillon est un pianiste, compositeur et arrangeur français dont le parcours musical se distingue par une fusion subtile entre jazz, musique brésilienne, funk et pop. Issu d'une famille où la musique était omniprésente, il développe une passion précoce pour le piano, qu'il commence à explorer à l'âge de 11 ans. Autodidacte, il apprend à jouer, composer et chanter seul, s'imprégnant des influences variées de son environnement familial.

Son approche unique du piano et sa capacité à improviser tout en conservant une musicalité fine font de lui un artiste particulièrement recherché dans les clubs parisiens et les festivals internationaux.

Une Formation Autodidacte et une Rencontre avec le Jazz

À 17 ans, Dominique Fillon décide de se consacrer pleinement au jazz, étudiant les standards classiques tout en développant son propre style. Il découvre également la musique brésilienne grâce à des artistes comme Djavan, Tom Jobim, João Gilberto et Ivan Lins, ce qui marquera profondément sa sensibilité rythmique et harmonique.

À 20 ans, il s'installe à Paris pour intégrer l'American School of Modern Music, mais quitte rapidement l'école après trois mois, convaincu que son apprentissage se poursuivra mieux de manière autonome. Il se produit dans divers clubs parisiens, croisant des musiciens de renom tels que Dave Weckl, John Patitucci et Paco Seri, et développe un répertoire mêlant jazz, funk et world music.

Durant cette période, il commence également à accompagner sur scène des artistes comme Bernard Lavilliers, Michel Fugain ou Angélique Kidjo, une expérience qui enrichira son jeu et sa capacité à collaborer avec des musiciens de différents horizons.

Une Discographie Personnelle Éclectique

Dominique Fillon lance sa carrière solo en 2007 avec l'album Détours, un projet intimiste où le piano occupe la place centrale, révélant sa maîtrise technique et sa sensibilité mélodique. En 2010, il publie Americas, un hommage à ses influences latines et brésiliennes, avec des rythmes chaloupés et des harmonies sophistiquées qui montrent son goût pour les textures sonores variées.

As It Comes (2012) illustre son goût pour l'improvisation libre et le dialogue musical avec d'autres instruments, tandis que Born in 68 (2014) revient sur ses racines et ses souvenirs d'enfance musicale. En 2020, Awaiting Ship, réalisé avec les musiciens Alex Boneham et Dan Schnelle, montre son ouverture aux collaborations internationales et son désir de créer des compositions où le jazz rencontre le contemporain de manière innovante.

Keyboardsync : L'Atelier Musical de Dominique Fillon

Keyboardsync est le studio d'enregistrement personnel de Dominique Fillon, un véritable laboratoire musical où il expérimente et partage sa vision de la musique. À travers ce projet, il réalise des

sessions en duo
des reprises de classiques du jazz
des compositions originales

Les vidéos de Keyboardsync offrent un aperçu fascinant de son processus créatif, mettant en lumière sa capacité à improviser et à dialoguer avec d'autres musiciens dans un cadre intime et authentique.

Ce projet est également un moyen pour lui de rester proche de son public et de montrer que la musique est avant tout un espace de partage et d'émotion.

Un Artiste Engagé et Innovant

Dominique Fillon se distingue par sa capacité à fusionner différents styles musicaux avec une aisance remarquable. Son jeu pianistique, à la fois fluide et sensible, crée des atmosphères uniques, allant de la douceur méditative aux rythmes entraînants.

En parallèle de sa carrière artistique, il s'implique dans des projets éducatifs et culturels, transmettant son savoir-faire aux jeunes musiciens et encourageant la curiosité et l'ouverture musicale. Son parcours, marqué par l'autodidaxie et l'expérimentation, en fait un exemple inspirant pour tous ceux qui souhaitent suivre leur propre chemin artistique.

Concerts et Projets à Venir

Aujourd'hui, Dominique Fillon continue d'explorer de nouvelles avenues musicales et de collaborer avec des talents émergents. Son site officiel propose une vitrine complète de son travail, de ses albums à ses projets à venir, offrant aux amateurs de musique un accès privilégié à son univers.

En somme, Dominique Fillon incarne l'esprit du jazz contemporain : une quête permanente de liberté, de créativité et de partage. Son parcours, riche en expériences et influences variées, fait de lui une figure incontournable de la scène musicale française et internationale.

Pierre Lucbert, jeune batteur français talentueux

Chrys — 2025-09-03T12:12:12Z

Pierre Lucbert, batteur originaire de Bordeaux, se distingue par sa polyvalence et son groove unique. Entre collaborations prestigieuses, tournées et télévision, il impose son style dans le jazz, le funk et les musiques actuelles, avec un matériel qui reflète son exigence.

À seulement 28 ans, Pierre Lucbert s'impose comme l'un des batteurs les plus prometteurs de sa génération. Originaire de Bordeaux, il a déjà un parcours impressionnant, jalonné de festivals prestigieux, de collaborations marquantes et d'apparitions télévisées. Entre rigueur académique et instinct musical, il incarne une nouvelle génération de musiciens capables de passer du jazz à la variété avec la même aisance.

Des débuts précoces à la reconnaissance

Derrière la batterie dès l'âge de 4 ans, Pierre n'a jamais quitté son instrument. Après avoir suivi l'école Dante Agostini puis le Conservatoire de Bordeaux, il obtient deux Diplômes d'Études Musicales : l'un en musiques actuelles, l'autre en jazz. Cette double formation lui donne une polyvalence rare, qu'il mettra rapidement à profit sur scène.

Très jeune, il participe à des festivals et des concours, croisant la route de grands noms comme Terri Lyne Carrington ou Dave Weckl. Mais c'est sa collaboration avec le guitariste Tom Ibarra qui marque un véritable tournant. Ensemble, ils multiplient les concerts, sortent l'album Sparkling et partagent même l'affiche avec Marcus Miller, icône mondiale de la basse.

Entre la scène et la télévision

En parallèle de ses projets jazz et funk, Pierre s'invite aussi dans le quotidien des Français. Depuis 2022, il est le batteur officiel de l'émission “N'oubliez pas les paroles” sur France 2. Une expérience qui lui permet de jouer presque tous les styles de musique, en direct, aux côtés d'artistes très variés. Une véritable école de la polyvalence, qui demande précision et adaptabilité.

On le retrouve également dans Taratata, ou sur scène aux côtés d'anciens candidats de The Voice. Cette exposition médiatique élargit encore son public, tout en confirmant son statut de musicien complet.

Le secret de son son : Yamaha Maple Hybrid

Si Pierre Lucbert séduit autant, c'est aussi grâce à son lien avec son instrument. Endorsé par Yamaha, il joue principalement sur une Maple Hybrid, un modèle qui allie puissance et finesse.

Sa configuration habituelle comprend :

des fûts en érable hybride, au son chaud et précis
des toms 10″ et 12″, complétés par un floor tom de 14″ ou 16″ selon les contextes
des peaux Remo, choisies pour équilibrer attaque et sustain
des cymbales polyvalentes, adaptées à ses passages entre jazz, funk et variété
et une touche moderne avec le GT-100 de Boss, pour enrichir son jeu d'effets et de textures électroniques

Ce set lui offre une palette sonore très large : assez nuancée pour accompagner un standard de jazz, assez puissante pour un festival funk, et suffisamment souple pour la variété télévisée.

Une trajectoire qui ne fait que commencer

De Bordeaux aux plus grandes scènes européennes, en passant par les plateaux télé, Pierre Lucbert a déjà marqué les esprits. Ses collaborations — de Tom Ibarra à Marcus Miller, en passant par ses rencontres avec Larnell Lewis ou Didier Lockwood — témoignent d'un talent déjà reconnu par les plus grands.

Avec son jeu précis, sa curiosité musicale et son matériel à la hauteur de ses ambitions, Pierre incarne la relève d'une batterie française moderne, ouverte sur le monde et résolument tournée vers l'avenir.

Un nom à suivre de près, car le groove de Pierre Lucbert n'a pas fini de résonner.

CCL

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